随着书画收藏热的兴起，越来越多的人进入了收藏的圈子。在需求增长的同时，大量良莠不齐的书画作品也从四面八方涌向了市场。由于一系列的炒作，导致了书画价值和价格的不一致，评价标准出现混乱。未曾入门的藏家在面对一些书画家的作品时，往往不知所措。其实，对一些成熟的书画家而言，其创作各方面都已相对稳定，我们可以通过一些角度来对其作品水平做一个界定。
一、画者境界
境界原本是佛家用语，指的是一个人、一件作品的意志、情感、胸襟、怀抱、心灵、灵性。我们说一个人的思想境界如何，实际上指的是一个人的思想觉悟和精神修养的水平如何。境界包括生命灵性、观察思考、创造成品、回味无穷四个方面。境界和意境、气韵，都是中国独特审美思想中的三个范畴。离开了它们，也就无从理解中国的书画艺术。境界和意境比较，前者更多指内在精神、意气达到的程度，意境则偏于艺术成品的特征。一个艺术家境界的高低，取决于艺术家多方面的修养，如人格修养、与人为善的态度以及高尚的人格感召力。人们常说“画如其人”，艺术家的境界不高，其作品的境界也不会高。艺术的最高境界是“清水出芙蓉，天然去雕饰”，给人的感觉就犹如清风拂面，神清气爽。细品之下，还能引发人们对自然、社会、人生的联想和进一步思考，使人产生积极向上的动力。
艺术家的境界可以通过笔墨表现出来。文徵明在一则画跋中说：“人品不高，用墨无法。乃知点墨落纸，大非细事。必须胸中廓然无一物，然后烟云秀色，与天地生生之气，自然凑泊笔下，幻出奇诡。若是营营世念，澡雪未尽，即日对丘壑，日摹妙迹，到头只与妆采圬墁之工，争巧拙于毫厘也。”由此联想到倪云林画的太湖，那境界就是高：渺远处一片小岛，近处两株枯木，三五树丛如君子玉立。
艺术家境界的高低，是会落实于笔墨的。他们经历多年的笔墨训练和造化感悟，把个人的思想境界表现为笔墨精神，继而通过作品传达给观众。观之，各种心灵上的重负被清风吹散，被流水消溶，能感到重获自由的无限喜悦。书画家去粗取精，去伪存真，以形写神，寥寥数笔，便让人感到一种强烈的审美愉悦。正如苏轼赞赏吴道子：“未曾下手风雨快，笔所未到气已吞”，这就是一种笔墨境界。
二、理论建树及人文修养
画是人格的显现，人格是修养的结果。书画理论的积累和人文情操的修养，是提升画品的重要因素。
中国书画艺术讲求“理论先行”。书画理论的学习，可以指导画家的艺术之路走的更长。以古人为师，继承传统，取其精华，为我所用，这是一种快速提升自我的方法。前人的理论多是数代人反复总结的精华，既是来源于生活，又是接受了实践检验的。不尊重理论的学习，其创作将犹如无本之木，无源之水，是“言之无文，行而不远”的。
中国画讲人文修养是有传统的，历代文人画家无一不是学问家：王维、苏东坡、赵孟頫、倪云林、董其昌、徐渭、八大、石涛、吴昌硕、黄宾虹、齐白石等都是具有深厚学问和人文修养的人。良好的人文休养，其表现在作品中的情趣才是高雅的。当前书画界的名家亦都具有良好的人文修养，比如沈鹏、刘大为、冯远、范曾、程大利、吴悦石等。
理论的积累和人文修养，依董其昌所言，是要靠“读万卷书、行万里路”方能有所获。按照李可染的说法就是要“一手伸向传统，一手伸向生活”。书画是小道，生活才是大道，只有把生活学好，才能把书画的小道内化为大道。
三、笔墨技艺
“笔墨”似乎是传统中国绘画特有的名词，西画中没有“笔墨”之说，相似的说法是“笔触”。在传统中国绘画中，笔墨被视为文人画传统的至高价值。董其昌曾言：“以境之奇怪轮，则画不如真山水；以笔墨之精妙论，则真山水不如画。”虽然在其之前，历代理论家和画家都已经感悟到，但笔墨的独立审美，在董其昌这里才全面地完成了从理论到实践的转变过程。因此，“笔墨”在传统国画中有其自身的内容，是欣赏传统国画中必不可少的要素。至于其它，都可以退到次要位置。
笔墨的技艺，就是驾驭用笔、用墨的技巧，这需要长时间的实践和训练。笔墨技艺的高低是判断画家是否成熟的标志，决定了美术家艺术修炼的程式。历史上的笔墨大师，往往穷其一生的精力，才能达到手心相应、用笔用墨不受牵制的境界。黄宾虹在92岁逝世前的病床上还在思考画法，“有时在半睡半醒中，犹自用手指在被上点点画画，有勾有勒，自谓在画山水、画梅花”。
南齐谢赫在《古画品录》中言述品评书画之“六法”时，首先提出“气韵生动”，之后，紧接着就提到“骨法用笔”。很明显，谢赫将笔墨的技艺列为“六法”中的第二大法，也是实现生动之要法。黄宾虹认为“气韵之生，由于笔墨。用笔用墨得其法，则气韵无由生动。”气韵的源头即在于笔墨。笔是中国绘画筋骨，墨为中国绘画之血肉。有笔无墨或有墨无笔，皆谈不上是中国绘画。
笔墨可以反映人心，可以反映人性，体现书画家的人格理想，也会直接影响画作的品味和格调。从技法而言，“笔”通常指钩、勒、皴、擦、点等笔法；“墨”指烘、染、破、泼、积等墨法。在理论上，强调笔为主导，墨随笔出，相互依赖映发，完美地描绘物象，表达意境，以取得形神兼备的艺术效果。我们通常所说的笔墨好不好，其实就是指这幅字画好不好。好的笔墨，正如先贤们所赞美的：“墨能栽培山川之形，笔能倾覆山川之势，……必使墨海抱负，笔山驾驭，然后广其用。”(石涛《苦瓜和尚画语录》)；“无一笔不精当，无一点不生动，是其功力纯熟，以笔墨之自然合乎天地之自然，其画所以称独绝也。”(唐岱《绘事发微》) ；“信手涂抹，竟能苍劲腴润，腕底生辉，笔不着纸，力似千均，此中底细，非长于实践，独具慧眼者不能知也。”(李可染语)。这样的笔墨技艺，焉能不赏心悦目、惹人爱怜？
四、风格
大凡有所建树的艺术家，都有着与众不同的个性和艺术特色，反映在他们的作品中即成为各种类型的艺术风格。
“风格”一词源于西方，引入中国画中则与笔墨相关。由于每个画家的师承渊源不同，审美情趣不同，个性品质不同，反映在具体创作上，其用笔用墨的习惯就会不同。有的轻盈快捷，有的迟缓沉着，有的刚劲爽朗。它们在本质上都反映了画家各种不同的气质特性，是画家主体禀性气质的自然流露。
不同地域的藏家对书画风格的选择也是不同的。这样书画的价格就会因为市场的冷暖而产生波动。例如江浙地区的人喜欢海派、浙派、新金陵画派的东西，他们喜欢收藏吴昌硕、任伯年、陆俨少、傅抱石、林散之、谢稚柳的作品。北京和天津人就喜欢收藏齐白石、李可染、于非闇、李苦禅的东西。广东、港澳人则喜欢岭南画派的作品。有的画家风格非常明显，有些题材人们喜闻乐见，就像齐白石的虾、黄胄的驴、徐悲鸿的马、李可染的牛。描摹对象来自生活，真实亲切，妙趣横生，深深地打动了读者。
五、创作难度
书画分为不同的种类。就书法而言，有行书、草书、楷书、隶书等。中国画分为工笔和写意，又分为山水、花鸟、人物。不同种类的作品创作难度也是不同的。一般写意画创作的时间是比较短的，画家有感而作，即兴泼墨挥毫，一挥而就。尤其是大写意的创作更是用笔简洁，创作迅速。而工笔画的创作，重在工整、细腻，一笔一划丝毫不能懈怠。这样的作品因为注重了细节的刻画，可读性更强，每一个局部都可以让人细细品味。艺术价值和价格就会比较高。
创作一幅作品，不同的艺术家所花费的时间和精力是不一样的。有的用了几年，有的用了几个月，有的用了几天，还有的十几分钟就画一幅画。画家作画的难度，其用心程度肯定会影响作品的价值。《富春山居图》之所以珍贵，跟黄公望用在这幅画上几年的心血是分不开的。艺术家早年的临摹之作和应酬之作，在难度上都是偏低的，这样的作品不会有很高的艺术价值，价格也不会高。
在拍卖场上，画比字更受欢迎。究其原因，大众多认为画的创作要比书法来得复杂，难度也比书法高。对于书法家而言，一旦技法成熟，创作起来比较轻松，一个下午写十几张字没有问题。这样的一个创作难度，也使得其市场不如中国画了。
其实，真正的好作品是不可能以创作难度来衡量的——画家的写意未必不如画工的工笔来得容易。但是，此观点完全可以给尚未领悟书画真谛的朋友以借鉴。
六、存世数量及尺度
物以稀为贵，书画表现的更为明显。离我们远去的名家作品之所以屡屡惊现高价，除了其艺术品本身的价值外，更重要的就是它有限的存世数量，而导致的供不应求。书画作品的稀缺性，吊起了藏家的高价占有的欲望。
一般而言，在书画家艺术创作稳定的情况下，其作品存世数量与作品价格的上涨空间成反比关系。同时，作品的存世量还跟其创作的严谨程度成反比。在画廊的运作中，当其代理画家的作品在市面上流通过多时，也会有意回购一部分，从而避免了流通中作品的过量而产生的市场低价，进一步保护画家的较高身价。
徐悲鸿、傅抱石、李可染、潘天寿等名家作品的存世量都比较少，尤其是潘天寿的作品，只要是真品就全是精品，成交价都很高。李可染有“废画三千”之称，其作品存世量据统计也仅在千幅以内，这种情形，必然导致了其作品只要一出现在卖场就会遭高价争抢。像陆俨少、谢稚柳、黄宾虹等画家作品本来艺术价值很高，却因为其作品的存世量过大而导致价位迟迟上不去。
书画的交易多是按照平方尺来计算的，如果作品存世的尺度过大，比如艺术家喜欢作大画，或者说作品的数量多而导致总尺幅的增加，这样也会影响其价格。
七、对待市场的态度
不同的画家在面对市场的时候，态度是不尽相同的。有的画家认为“画幅青山卖，原来是孽钱”，有的画家认为艺术是属于人民的，能得到市场的认可，创作起来乐此不疲。还有的画家则认为市场可有可无而不冷不热。
如今社会，酒香不怕巷子深的观念已经有所发展了，如果画家不主动展示自己的作品，很难被人认识和认可，更谈不上购藏了。画家有意识的做适度的宣传和展示，将会提高市场认知度，积累一定的消费群后，价格自然会提升。反之，如果画家对自己作品的市场漠不关心，顺其自然，不主动接受市场的检验，则会致使作品的无人问津，价格低迷。画家主动迎合市场，根据市场的喜好，调整自己作品的风格和题材，路子也会越走越宽。
以齐白石为例。齐白石在1917年来到北京时发现，他的扇面价格比当时一般画家的便宜一半，却没有人买。而其实，当时北京盛行的是吴昌硕、陈师曾等人的大写意画，齐老先生的画风冷逸，有孤高的士大夫气，北京人不喜欢。在好友陈师曾的劝告下，齐白石开始改变画风，实行著名的“衰年变法”。变法后齐白石的画雅俗共赏，既符合士大夫的口味，又有民间的天真烂漫。结果官僚、士大夫、商人和普通百姓都争购齐白石的画。1920年至抗战前十几年间，齐白石卖画1万多幅，刻印3000多方，这都受益于其对市场的积极态度。
八、市场及机构反映
书画作品，一旦进入市场，就要接受市场的检验。收藏机构的反映也体现了书画作品的价值。如果争相购藏，那代表了社会的认可，价格就会比较高。如果作品进入市场，没有什么反响，说明作品的价值没有得到人们认可，价格也不会高。
被市场看好的作品，画廊及投资机构会主动为其做展览、出画册、撰写评论文章、做学术研讨会、举办书画笔会，一些媒体会主动做艺术家访谈，拍卖会上甚至会有名家的拍卖专场……诸如此类的市场运作，都会帮助艺术家走进人们的记忆。如此一来，必将使艺术家深入人心，众人拾柴火焰高，三人成虎，作品价格想不高都很难。
人们在选择投资书画对象时，还都是比较理性的。广大藏家的眼光是能说明作品价值的，市场及机构的反映可以作为一个衡量书画价值的标尺。
书画作品的价值和价格是一个综合作用的结果，我们应该以全面和发展的眼光看待它。价格的上涨，主要在于其内在价值。一时的炒作，终不能维持长久的高价。作品本身的学术价值，以及所折射出来的艺术家和时代的境界，才是真正能被历史所看重的。